bodoo 的个人博客 http://bodoo.blogcn.com 又一个 WordPress 站点 Sun, 08 May 2011 04:48:24 +0000 en hourly 1 http://wordpress.org/?v=3.0 Hello world! http://bodoo.blogcn.com/articles/hello-world.html http://bodoo.blogcn.com/articles/hello-world.html#comments Sun, 08 May 2011 04:48:24 +0000 bodoo http://bodoo.blogcn.com/?p=1 欢迎使用 WordPress。这是您的第一篇日志。您可以编辑它或是删除它，然后开始写您自己的博客。

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. 宮川篤 ATUSHI MIYAKAWA(Drums)
. 前田隆 TAKASHI MAEDA(Bass)
. 園田勇治 YUUJI SONODA(Voice & Mouvement)
. 大森文雄 HUMIO OOMORI (Keyboad)
. 組原正 TADASHI KUMIHARA(Guitar)

将这支组建于70S末期以制造高分贝高能量噪声闻名的乐团和裸身集会（Les Rallizes Denudes）相比较是再自然不过的，虽然从名声和影响力来说Gunjogacrayon相差甚远，两者皆基于重型车库式的吉他演奏，强调即兴，常以冗长缓慢如追魂般的节奏引导动辄10多分钟的迷幻行进，不同的地方更明显，Les Rallizes Denudes那种源自精神力量的内在牵引透过被刻意强调的反复散发着某种无可逃避的控制力，那是一个声场与幻觉的旋涡，而Gunjogacrayon则是开放的，枝节丛生的，潜在意识被激发的同时更多是身体的释放，和前者师从Kraut rock那些哲学化的声响帝国不同的是，后者的灵魂导师则是彼岸影响深远的自由爵士风潮以及The Stooges，Velvet underground等掀起的Punk/噪音美学，仅从声音架构的实验性以及对即兴定义的原始阐述来言，Gunjogacrayon无疑有着足够的说服力和足够明晰的演示，钢琴，人声的穿插有力的配合着节奏的指引，吉他演奏则有着草创期的Hardcore式蛮横而暴戾，当然，在他们不多的几张作品中，风格的侧重亦是很明显的，《I》更偏重美式的重型迷幻，《II》是最出色的，狂野锐利的No wave噪音在散漫挥洒的爵士领地上纵横驰骋，犹如切割般的肢解着一切秩序与结构的可能，《III》是灰暗且令人疲惫的，节奏被得到重新确认，20多分钟音质糟糕并且新意欠奉的漫长演奏只会令人昏昏欲睡。

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Artist: Afrirampo
Album: Kore Ga Mayaku Da
Label: Tzadik / 2005

大多时候Afrirampo应该是站在这样的一个点上，一边承接着前辈Shonen Knife那些直白无忌的青春宣言，Punk的本质总会在掺杂着混乱焦虑的某些片刻被不经意的立现，而在另一头那却是东瀛地下传统里对欲念直觉式的掘进以及对声音构筑近乎自发的迷幻营造，这两个20出头的小姐妹在舞台上互相对峙甚至撕打，用音乐偶尔也用身体，她们善于在简洁甚至简陋的即兴线条里寻找到一些令人回味的动机，并有着一种对器乐回复近乎天生的控制力，这会让人联想到诸如Can,Guru guru这些经典的名字，当然，还有她们最不缺少的爆发力和现场感，这让人们会在许多时候忘了那些差不多和她们的那青葱未脱的声音一样仍然被拘谨着的表达，当然，对她们来说，技术不是问题，不够老练和丰盈更不是指责的理由，别忘了她们还曾经和Acid Mothers Temple，Sonic Youth同台呢，而这张唱片更是一次完全的现场录音，姐妹俩甚至还全真空的上了内页，有着这样的勇气，再加上已然锋芒渐露的才情，以后？谁知道呢。

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和韩国女歌手Djong Yun合作的那两张《Aguirre》《nosferatu》起码在两个方面是功德无量的，一是让一贯认为Kraut rock艰涩繁芜的人们领略了一个空灵而美幻的异度空间体验了一把德国人难得一见的抒情或者煽情（某些时候他们会因此而不幸的被人称为Dream pop），而在另一方面，不管他们自己是否愿意承认，这两张作品亦让这个叫Popol Vuh的德国乐团在海外以至中国大陆拥有了相当的知名度，当然，如果说这就是他们的颠峰之作，那则可能会让这群慕尼黑人委屈甚至愤怒起来，他们或许更愿意提及那张《Affestunde》(1970)---那是德国最早的Moog合成器被应用到摇滚乐创作中的范例之一，但在那几首色调灰暗还略显生涩的曲子里，你可能更多体验到的还是一种锐气有余沉稳不足的初啼之声，特别是你如果曾深深沉湎于Tangerine Dream那些荡气回肠的Ambient营造的话，但那首18分钟的同名曲则足够让一个勇猛且富于才气的名字自此浮现，那也是这个后来广泛涉足电子，电影配乐，民谣，世界音乐，New Age等诸多领域以制造唯美幻听闻名的乐团曾经留下的最孤寂黑暗同时也是最富地下情趣的声音之一----那应该会让你联想到某次穿行于深夜里的列车，你正被某种奔腾着的力量引领向一个未知的远方，紧迫，惶恐，却又刺激异常。

[img]http://www.progarchives.com/Progressive_rock_discography_includes/thumbnail.asp?FileName=C:Inetpubwwwrootprogarchives.comprogressive_rock_discography_covers1227cover_2817181072004.jpg&Size=150[/img][img]http://www.progarchives.com/Progressive_rock_discography_includes/thumbnail.asp?FileName=C:Inetpubwwwrootprogarchives.comprogressive_rock_discography_covers1227cover_381181072004.jpg&Size=150[/img][img]http://www.progarchives.com/Progressive_rock_discography_includes/thumbnail.asp?FileName=C:Inetpubwwwrootprogarchives.comprogressive_rock_discography_covers1227cover_5452171072004.jpg&Size=150[/img]

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我才不在乎这个出生在印尼日军集中营的荷兰人如今业已卖出了多少白金唱片呢！即使你们人手一张我也不在乎，我会记得那张《Nacht en ontij》(196 8) 里那首24分钟的Heksen-sabbath如何在Pink floyd式阴暗的情境推进与Curved air般敏感的弦乐铺陈间轻而易举的构筑着沉重却绝对优雅的张力，并在架空了惯常的直线式段落承接的同时还不忘让每一个细节变得如何精准并且有趣，这一点那段诡异荒诞的男声合唱可以为证-----事实上，这首歌只是在述说着一个关于巫术和安息日的传说而已，（顺便说一句，这张封面也是黑色安息日的那张同名翻版，似乎AMT的那张新专集也在干着同样的事。）而在那张《Picknick》(1967)中，我起码听到了来自《The Piper at The Gates of Dawn》里轻挑迷离的和声《Revolver》（of Beatles）里简洁回旋的吉他，以及Fairport Convention里悠扬沉着的旋律，即使这张唱片不能说明它是同类作品中最优秀的，那至少说明了这个当时还要靠给一些三流电影写配乐为生的家伙是如何会在30年后突然大红大紫起来-----歌者艺术气息浓重的演唱和近乎苛求的精致编曲，在推出了众多良莠不齐的作品并且沉寂一段时日之后，Boudewijn de Groot在90年代复出，曲风日渐流行，老少咸宜，唱片大卖，出现在中国众多的试听网站，被称为“著名荷兰老歌手”，专集以一张1块钱的价格被制成Mp3出售。

[img]http://images.blogcn.com/2006/3/30/12/bodoo,20060330231612.jpg[/img][img]http://www.record-eurasia.com/sleeves/boud-nach.jpg[/img]

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Wake Up (70)
Out of Focus (71)
Four Letter Monday Afternoon (72)
Not Too Late (00, recorded in 1974)
Rat Roads (02, recorded in 1972)

或许正如其名称所言，这支慕尼黑乐团那些泊来的Symphonic Prog/fusion曲风理所当然的被游离于那个已被印记化了的德国实验音乐圈，而在另一方面，他们同样无法在地域色彩浓重名团林立的英国前卫摇滚图景里成为聚焦的名角，但他们又实实在在的是那个时期最活跃的地下乐团之一并在某种程度上甚至成为了德式progressive rock的代言，他们的那两张让人津津乐道的唱片《wake up》《Out of Focus》几乎完美的刻画并填补了Can.Faust等先锋们占据的那个严谨思辨的Kraut rock之外的德国音乐版图，以一种正统而纯粹的声音呼应着正席卷欧陆的英伦风潮,吉他音色和人声旋律上极富创造力的苦心经营使得他们许多的曲子听起来韵味十足，松弛而富于变化的结构赋予了长笛键琴等丰富的器乐表演空间，即使在那些即兴色彩浓烈喧腾吵闹的爵士融合里，你依然可以清楚的分辨出来自前卫摇滚传统定义里最准确而明了的层次展示，Out of Focus几张作品风格稍有变化，但几乎每张都堪称精彩。

延伸聆听： King crimson,Jethro Tull,Soft Machine,Genesis,Mahavishnu Orchestra

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Osmose (1970)
Beziehungen (1972)

如果不是那些抑扬顿挫的长笛总是不小心露馅的话，Annexus Quam的某些曲子几乎可以当作Cul de sac或是Bark Psychosis来听，当然我不是说他们又是一个Gong，或者一支被Kraut了的Jethro tull，庞大的7人阵容首先保证了乐曲足够的丰满以及对不同动机间碰撞与胶着的期望，而对爵士元素的应用Uwe Bick和他的伙伴们肯定和当时那些Fusion乐队有着不同的看法，在没有忘记偶尔出位的实验以及Dusseldorf传统里对秩序和结构近乎天才的敏锐和坚持后，Annexus Quam里的那些萨克斯或是单簧管奏出了那个年代条顿音景里最流畅婉转的音符，当然，如果再算上那把对泛音有着近乎病态爱好的誓把煽情进行到底的旋律堪与David Gilmour一较高低的吉他的话，你差不多可以忘了那两首Leyenburg（I，II）里压抑生涩的所谓即兴以及能让你憋出冷汗的提琴咽呜-----那大概是他们最接近于我们对这个以出产死硬声音闻名的国度最直观印象，而在其他的时候，我们则完全被沉浸在那些如漫天雪花般密实而浪漫的空间漂浮里，而同样曾经让我们有过如斯体验的，那应该是Cosmic jokers，Harmonia，或者Faust这些名字所带来的。

延伸聆听 ： Colosseum，Brand X，Return To Forever，Arzachel ,Dzyan，Cluster，Anima，Limbus 3

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[u]被遗忘的传奇[/u]
作者： xrenoo

在60年代末70年代中期的瑞典地下音乐风景中，一部分乐团受到King crimson,Elp等英国乐团影响，注重音乐的结构与器乐表现，如Flasket brinner，Bo Hansson，Ragnarok等，另一部分则从刚刚兴起的极简音乐理论与美国的波普艺术中得到启发，走上了一条完全不同的道路，他们把本土民谣与这些前卫理念结合，强调创新与即兴，创作出大量异于时下风潮的精彩纷呈的独特声音，其中包括Algarnas Trardgard, Samla Mammas Manna,以及本文要提到的Trad gras och stenar等，他们中有的在形成风格时甚至比那些已成传奇的Amon duul,Faust等还要早，然而由于唱片发行语种阻碍等种种原因，他们却远不如这些乐团般声名远播，如今将他们重新提起，除了是对当年黄金岁月的追忆，对这些执意前行勇于探索的前辈们的怀念，同时某种程度上也是对当今风起云涌的北欧新音乐图景的一次追根溯源。

这里所要说的其实是四支乐队，Trad gras och stenar只是其中名气最大的一个，与其之前的三支乐队Parson Sound，International Harvester ，Harvester有着相同的核心成员，并且在音乐上有着紧密连贯的先后传承,而在作品的影响力与精彩程度上前三者甚至有着更出色的表现，所以本文将以时间为脉络，记录这群杰出音乐家在前后近5年中创作出的不凡声音，并对其不同时期的音乐流向做一番粗浅地探讨。

这一切都得从67年Terry Riley 的那次瑞典造访说起，在观看了这位极简主义大师的演出并深为震撼之后，瑞典青年Bo Anders Persson决定组建一支自己的乐队，并将其命名为Parson Sound，这支纠集了一群潦倒的地下乐手以及作家和三流诗人的乐队频繁活跃在当时瑞典的前卫音乐圈中，并以其极富 ** 性的现场和音乐风格备受瞩目，他们为The doors的瑞典巡演开场，和Terry Riley 同台演出，并受邀参加了Andy Warhol在Stockholm的媒体艺术展，一切都看起来充满了生机与希望，同时一个延续了5个春秋的传奇也从此拉开了帷幕。

虽然在当时的瑞典地下音乐圈以及一部分前卫艺术家当中声名渐起，但在这个时期Parson Sound却一直未有正式唱片推出，直到30多年后的2001年这些作品才被集结为双cd同名唱片出版，这也是他们系列作品中最为狂野最为极致的声音，对于当时那些仍然习惯沉浸在披头士的甜美情歌中人们，这十多首由洪水般的噪音与碾磨般沉重的节奏构筑的歌曲无疑是一次噩梦般的聆听，可以想象当这种声音突然出现在那些享受着高福利高收入的富裕国民眼前时，那该是一种什么样有趣的情景，Bo Anders Persson和他的死忠战友们一起，把Velvet underground生猛的噪音实验与美国车库摇滚的粗陋糅进冷静残酷的低限框架中，同时Frank zappa的早期采样拼帖手法以及从自由爵士中引申过来的即兴技巧也被他们一并借用，偶尔辅以庄严宏大的东方道场般的佛教和声，最后酿就了这瓶辛辣刺鼻却又充满诱惑的北欧烈酒,整张专集充满着嚣张暴虐的地下情趣，从A Glimpse Inside近6分钟低频长音到Skrubba里30分钟长的噪音轰炸，在那个年代这些作品无疑是极富勇气并且有着高度的前瞻性，即使如今听来，也依然充满着不可思议的生机和想象力，专集的最后两首On How To Live和Blaslaten有着完全不同于之前歌曲的安宁与淡然，洋溢着鸟语花香般的盎然以及迷人的长笛和萨克斯演奏，除了能让听者神经稍稍得以喘息外，这两首歌曲中将Incredible string band等英式迷幻民谣与Kraut rock的结构理念相结合的手法也预示着他们之后的风格走向。

与Samla Mammas Manna等这些RIO运动（当时由英国兴起的一种把实验手法引入到前卫摇滚中的风格）的中坚乐队稍有不同，Parson Sound更多的是从低限理论受到影响，那些狂放的噪音与浑浊肆虐的背景回授在许多时候仍然被节制在一个回复的节奏与低音之中，这也是与当时正在德国兴起的Kraut rock风潮同步的，他们从东方哲学和印度raga音乐中得到灵感，强调以最简单的段落重复来营造听觉上眩晕感，使听者进入一个深层次的冥想状态，以抵达所谓声音与思维交汇后最深层的内核。表现在音乐上，一部分直接通过节奏与器乐的冗长回复来实现，另一部分则通过与民谣的嫁接，采用各种原声乐器以及诸多简陋奇特的敲击乐器，通过延迟混响等各种效果来制造一种疏离混沌的聆听感受，前者可从如今的后摇乐队中找到影子，后者则是如今那些Acid folk乐队的惯用手法，这两点在Parson Sound时期已经初现雏形，而在随后乐队的发展中更是得到确认并且被进一步丰富和延展。

68到69年间乐队先后改名为International Harvester ，Harvester，阵容在这段时间内也得到稳定，其中包括乐队一直以来的灵魂人物Bo Anders Persson和他的另两位老搭档鼓手Thomas Gartz和长笛及萨克斯演奏Thomas Tidholm ，在那张以International Harvester为名发行的《Sov Gott Rose》（意为紧睡的蔷薇）中，大部分歌曲都未超过3分钟，他们把轻巧明快的北欧民谣引入到冷静的Kraut rock节奏当中，吉他演奏舍去多余的表演化枝节，然后祛除了民谣中人声的质朴之气，代之以更为自由即兴的演唱，使得音乐听起来有着一种天真怪诞的异境色彩，从同名曲Sov Gott Rose的改变就能看出他们在风格上的变化，这首歌曾是Parson Sound时期的经典曲目，那是一首由扭曲的吉他人声带来的鬼魅般的长曲，而在这张专集中则被演绎成一首沉静忧伤的动人小调，专集里不论是那首仅20秒钟钟轻松诙谐的无厘头式的Statsministern，或是Skodetider这样25分钟充斥着嘶鸣的吉他与冷静节奏的冗长曲子，都不再有前作的暴烈与迫人的沉重感，密不透风的噪音墙变得温和而冷静，沉重压抑的节拍也开始轻巧而富于弹性，分贝数的降低却并没有造成力量感的削弱，在那些零碎稀疏的风景中传达着的却是更为内在的疏离与荒芜。69年乐队再次改名为Harvester后推出的一张唱片《Hemat 》更象是《Sov Gott Rose》的一次强化与统一，散落的原声段落仍然俯首可及，疏落的节奏变得更为倔强坚定，但曲式结构的编排更显跳跃性，乐曲虽不及International Harvester时期灵动，但明显更为紧凑，呓语般的人声被淹没在那些缓慢燃烧般推进的由吉他鼓点织就的回复中，带来的是一种药物般纯粹的幻觉体验，除此之外，Hemåt中沉着大气的萨克斯，Nar Lingonen Mognar中迷离的异域器乐，Bacon Tomorrow中欢快民歌下尖利的女声都是专集令人一再回味的精彩瞬间。

从《Hemat 》和《Sov Gott Rose》这两张专集可以看出Bo Anders Persson和他的伙伴们在器乐演奏与音乐理念上的日益成熟，然而令人遗憾的是，在《Hemat 》发表后，乐队的原始成员，核心人物之一Thomas Tidholm离队，和他的妻子Anna-Clara Tidholm一起继续他的诗歌创作和舞台表演事业，不论在之前的任一时期，Thomas Tidholm的长笛和萨克斯演奏一直是他们音乐中丰富表现力的部分源泉和推动，他的离去对乐队的发展是一个相当大的打击，剩下的成员把乐队改名为Trad gras och stenar（意为树木，草地和石头），并且一直沿用至解散，Trad gras och stenar是他们最稳定最多产也是最具影响力的时期，但在音乐上却不见得比之前的作品更精彩，于70年发表的《Träd Gras Och Stenar》除了保持着一贯的民谣元素与前卫音乐的融合，他们还在音乐中引入了一些funk成分，节奏上更富动感，以往火星四溅的吉他表现也收敛的多，这也是他们诸多作品中最为动听的一张，但已没有了前作中咄咄逼人的锋芒和才气，部分曲子听起来就有如Can的再版，但象Svarta Ppla这样低沉颓靡的作品仍然显示了他们不凡的功底和独特气质。第二年Jakob Sjoholm加入乐队与Bo Anders Persson一起担当双吉他演奏，随之发行的《Djungelns lag 》是一张精彩与平庸各半的作品，专集中既有Dibio这样令人眼亮的Frank zappa式即兴小品，也有Tidigt om morgonen这样充斥着柔滑吉他与温情钢琴的颓废情歌，而最后一首30多分钟的Amithaba则是Pink floyd与Amon duul一次令人叫绝的混和，从前段的沉静从容到后段的爆发承接流畅自然，各段间氛围的营造也相当到位，某种程度上这首歌也是当今那些后摇乐队的一首范本。接下来的72年Trad gras och stenar先后发行了两张作品《Mors Mors 》和《Rock for kropp och sjal》，曲风比之《Djungelns lag 》要更显开放和富于激情，除了少数曲目依然保留着Trad gras och stenar之前标签式的冷静推进，多数作品都显得迷幻味十足，吉他的表现力得到加强，人声和节奏也更靠近早期Amon duul。在这两张唱片发行后，乐队也随之宣告解散，然而传奇却依然没有结束，除了各自都有精彩个人作品推出，他们还在Hot Boys ，Arbete & Fritid，Stenblomma，Prins Latt，Bitter Funeral Beer Band等乐团中继续延续着各自不同的音乐历程。其中象将民谣爵士与前卫摇滚结合的Arbete & Fritid，以及曾在Ecm发碟的以雍容冷冽曲风见长的爵士乐团Bitter Funeral Beer Band等都是瑞典音乐史上有着相当影响力的名字。

纵观这支命运坎坷的乐队在各个时期的表现，Parson Sound无疑是最具活力与锋芒的时期，作品有着强烈的现场感染力和新鲜粗砺的地下色彩，International Harvester 和Harvester是乐队的风格成型期，这时期虽然仅有两张作品问世，却是乐队整个历史上最精彩最杰出的作品，他们把本土民谣与kraut rock的低限手法以及其他当时最前卫的音乐理念结合，创作出了那个黄金岁月最令人动容的声音之一，在重要成员离去导致的伤筋动骨后，乐队依然继续坚持前行，Trad gras och stenar高产的作品使得他们在瑞典音乐界影响日益扩大，这个阶段可以看作是他们对既有理想的固守与突破本身窠臼间的碰撞与妥协，3年间的4张作品更加圆滑老练却依然保持既往作品中盎然的内在灵性，音乐元素的采用也更为丰富，特别是吉他的演奏更富迷幻色彩，不过这毕竟是以牺牲其部分固有风格为代价的，本色的削弱和锐气的消失使其在后段尽显疲态，解散也在必然之中。和那些当时极为活跃并且对摇滚乐做出了革莫道不消魂命性贡献的众多kraut rock乐团一样，他们的这些唱片和他们的名字一起在很长时间内被人们遗忘，直到近年随着对当年kraut rock运动的重视以及在瑞典本土音乐厂牌如Silence的努力下，他们才重新被人们提及和追捧，Träd Gras Och Stenar近年来也随着其唱片再版开始了重组演出并有着一些早期现场和一张新作品问世，如今他们的名字已成为瑞典音乐史上极富传奇色彩的浓重一笔，而其在音乐上所做的探索对后世瑞典甚至北欧的现代音乐都有着相当深远的影响。

Discography :

Parson Sound : Pärson Sound 1967-68 (2001)
International Harvester : Sov gott Rose-Marie (196 8)
Harvester : Hemåt (1969)
Trad gras och stenar;
: Trad gras och stenar(1970)
: Rock for kropp och sjal (1972)
: Mors Mors (1972)
: Djungelns lag (1971)
: Gardet 12.6.1970 (1996)
: Unrealeasd Live 1972 (2001)
: Ajn Schvajn Draj (2002)

文章刊于21期非音乐杂志，由于文章完成到刊发耽搁了一段时间，一些内容未做修改，欢迎指出谬误

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1972 Just A Poke
1973 Darkness To Light
1974 Sweet Smoke Live

谁会错过Sweet smoke呢？爱在春天憧憬着鲜花和草地的的人们，爱在褶子衬衫和喇叭裤的长发年代流连的人们，还有那些在梦里都飘香着大麻与古柯叶的人们，当那首Baby night或者Kundalini象隔世的欢梦般落在某个午后的窗沿时，你是否也如此时的我般在那提琴与手鼓的私语里陷入恍惚，注视着那道落寞的光线如何倔强的从暖瓶移到门沿，并在第一声萨克斯越过吉他与西塔的围织时忆起关于某个女孩或是某个牵手里甜美的艳阳天呢？几个有着东方情结的美国青年70年代初在纽约组建了Sweet smoke，却远涉重洋来到德国录制了他们所有的唱片，但你几乎听不到这里有多少艰涩的Kraut rock之声，如果你非得把某些紧密而连绵的节奏扯上那个叫Amon duul的名字的话----即使那样我也更愿意提起Great dead，Sweet smoke是嬉皮的，轻盈而且纯净，那些清新如孩稚般无辜的歌唱甚至能让你触摸花童们随风扬起的发端，但在那些老练的Blues推进和节制的小调和弦间隙却被古怪的合上了坎特伯雷明媚暖洋的湖光山色，这让他们在努力制造迷幻的同时还让一种叫感性的东西也一并被浮出----Sweet smoke，浪漫的，微妙的，摇摆的，就和他们的名字一样。

延伸聆听 ： Brainticket,Kalacakra,Shakti & John McLaughlin,Dom,Pink floyd,Hatfield and the north

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Geoff Alexander,热爱John Coltrane, Karlheinz Stockhausen,以及一种日本一弦琴，但对当时风行的西岸之声几乎一无所知，Don Campau，英式Blues和旧金山迷幻摇滚的追随者，同时亦是不折不扣的一个先锋音乐乐盲，1969年这两位闲人伙同其他几个高中同学组建了这个如今被称为先锋乐团的The Roots of Madness，他们在家中排练，并尝试“制作”音乐，用老式收音机，风铃，以及半痴呆的呓语和酒后的嚎叫，他们也用萨克斯，还有吉他，偶尔他们会到高速路旁或是洗衣店旁搞上两个小时的演出，当然，大多时候是没有观众的，1971年他们搞出了这张《The Girl In The Chair》，灵感来自某个坐轮椅的伤残女士，若不是Mv&ee的大本营Child Of Microtones 在去年重新再版，这张当年只出了500张的唱片可能还不会这么早出现在Soulseek上，来自达达主义和垮掉派的精神溯源，那些更该称为错乱的自由爵士演奏是可以预料的，1分钟的民谣小曲和味道纯正的Bluse则可以从他们的老乡Great dead甚至Jefferson airplane里找到部分引子，而那些无厘头的人声和冗长混沌的采样我们只能从那个被一群疯子占领的房间的破败中去想象，在The Roots of Madness里你很轻易的能听到两种截然相反的声音，一部分在正襟危坐，另一部分却有如弱智者的狂欢，或许他们也会偶尔相遇，并融合，但多数时候他们是完全分佳节又重阳裂的，并在互相拆台，和发生在这个乐队以及这张唱片中诸多疯狂并且有趣的故事一样，聆听《The Girl In The Chair》是件需要考验但绝对愉悦的历程，正如30多年前那几个混世魔王在家里兴高采烈的所做的事情一样。

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